Cine

Premisa 1: Con pequeñas historias y anécdotas casi intrascendentes como material, se puede hacer grandes obras, todo es cuestión de talento. .
Premisa 2: En este país tan superguaï que hasta hace poco se creía superpotencia económica, el cine francés no es que sea desconocido, es que realmente se huye de él como alma del diablo. Y eso hace que nos perdamos interesantes películas que en la última década se están facturando en nuestro vecino del norte.
Post: "El gusto de los otros",  fue emitida en julio del 2008 por la 2, con lo cual tal vez 10 ó 20 personas la vieran. El planteamiento inicial es muy sencillo. Todos nos movemos en un círculo social y personal concreto, determinado por nuestra profesión, nuestro nivel salarial, nuestra edad, nuestra formación académica, nuestras orientaciones sexuales… En cualquier ciudad existen múltiples de estos círculos sociales, completamente compartimentados y sin ningún contacto ni trasvase entre ellos. Lo normal es que vivamos y muramos sin traspasar nunca esas barreras invisibles, por mucho que nos sintamos gente abierta y sin prejuicios…
¿Pero qué pasaría si uno de los integrantes de uno de esos nichos, en particular un empresario inculto, más bien patán y más bien machista, decide sin venir a cuento y con total naturalidad comenzar a frecuentar los locales y las personas de un círculo opuesto, como es el del mundillo artístico de provincias? ¿Y si, tras el inevitable rechazo y burla inicial, insiste en ese contacto porque siente que realmente  le aporta algo que le falta? ¿Y si cae rendido ante uno de sus componentes femeninos?
La anécdota es vestida en el film con un guión refinado, lleno de detalles, de pequeñas ironías, de historias paralelas, y tiene el buen gusto de evitar en todo momento el chiste fácil o la anécdota chunga (que en una película hispana aparecería inevitablemente a los dos minutos de iniciada la misma). El guión es obra Agnés Jaoui (directora y una de las intérpretes) y del actor principal Jean Pierre Bacri, (pedazo de interpretación) ambos de hecho marido y mujer.
Una pequeña gran obra, y un ejemplo de sencillez al servicio de la excelencia.

Tal vez la literatura nació con la epopeya, antes que con ningún otro género literario. O tal vez no.
Lo que sí sabemos es lo que ocurrió cuando en 1888, un maestro de la narración, Rudyard Kipling, decidió escribir sobre la atroz epopeya de dos ingleses en Afganistán. Creó una obra maestra de la literatura, The Man Who Would Be King, El hombre que pudo ser rey.
Escrito con una apabullante economía de medios lingüísticos, y a la vez con una pasmosa capacidad para retratar y transmitir el carácter de sus dos principales personajes (dos pillos, pero  ingleses hasta el tuétano en su flema y orgullo inmaculado) siempre me ha parecido, además de una fuente de disfrute y asombro, una perfecta parábola de la desmedida ambición humana, de la capacidad de realizar gestas con la sola fuerza de la voluntad, del valor supremo de la amistad por encima de los errores, las ofensas y los olvidos.  De , en fin, lo pasajero de toda gloria, por alta y resplandeciente que ésta pueda parecer. De lo triste del destino de los héroes, llamados a morir pronto para poder permanecer en el recuerdo y la retina de unos pocos, o incluso en ocasiones  de una sola persona, testigo privilegiado de la auténtica grandeza, siempre muy próxima a la generosidad, al egoísmo y a la locura, o tal vez una amalgama de todas ellas. Una novela corta a releer cada año.
Un relato maestro como éste tuvo su versión cinematográfica, que fácilmente podría haber destrozado el original. Pero quiso la fortuna que el proyecto fuese acometido por un John Huston en estado de gracia, con dos actores (Michael Caine y Sean Connery) en idéntico estado (más un casi irreconocible Christopher Plummer,vaya reparto!), de forma que la película del mismo título resultó una maravillosa cinta de aventuras, donde el guión,  la ambientación (fue rodada en Marruecos) las interpretaciones y sus inolvidables escenas (sin infografías ni efectos digitales), seguramente la convierten en una de las más emotivas aventuras en celuloide nunca filmadas. Todavía recuerdo la primera vez que la viera, de adolescente, a las dos de la mañana, en una de esas raras emisiones de madrugada que hacían antaño en la 2. Tuve la fortuna de verla sin ningún conocimiento previo y por tanto sin ningún prejuicio. Leída años más tarde la novela, no podía imaginar sus personajes sin evocar la cara de Connery y Caine, pero en este caso no fue una rémora para el disfrute.
Uno de los pocos casos en los que una obra maestra de la literatura da lugar en su versión cinematográfica a otra obra maestra.
Y, como era de temer,  Kipling sigue encuadrado por muchos expertos en el género juvenil (como Stevenson, Chesterton y tantos otros maestros), cajón de sastre  que tan bien ha venido a muchos críticos ineptos para justificar su discutible gusto y poder seguir solazándose en las novelas más sórdidas y truculentas.
Ellos se lo pierden.

Audrey Hepburn y Grace Kelly. Backstage de la 28 ceremonia de entrega de los premios Oscar, 21 de Marzo de 1956. Audrey Hepburn presentaba el oscar a la mejor película ("Marty"); Grace Kelly el de mejor actor (Ernest Borgnine).

Afirmar que Michael Nyman es mucho más que El Piano es una obviedad. De hecho, Michael Nyman es mucho más que las bandas sonoras que ha hecho por encargo. Pero esa pequeña colección de sublimes emociones nos permite disfrutar de su genio sin tener que comprometernos con experimentos musicales bastante más inaccesibles.
En la mayoría de los casos me dio siempre la impresión de que esas piezas están artísticamente muy por encima de las imágenes cinematográficas a las que daban soporte. Gattaca es una de las excepciones.
 Una muy recomendable película de ciencia ficción (1997) que es a la vez un trhiller, una sencilla historia de amor, otra de amistad y un relato de superación personal frente a la adversidad. Todo ello ocurre en el marco de una oprimente sociedad futura donde la selección genética ha triunfado hasta el extremo.
La comunión entre película y banda sonora es excepcional. Nyman consigue acentuar las emociones de la historia y de sus personajes con una música que es tortuosa, elegante, melancólica o alegre, pero siempre bella.
Una de las piezas busca acercarnos al sentimiento de superación, al momento en que se vislumbra la propia capacidad de seguir, cuando se empieza a pensar que la meta es alcanzable. Lástima que sólo dure 1:07 minutos.

boomp3.com

Año 1990. Stephen Frears ha conquistado Hollywood dos años antes con su brillante adaptación de "Las Amistades Peligrosas". Con la industria rendida a sus pies, filma y presenta "The Grifters", una de las obras más desazonantes y amargas que se ha podido ver nunca en las pantallas.
Una película en buena medida anti-Hollywood por su temática incestuosa y la ausencia completa de moraleja, romanticismo o justicia poética.
Tramposa desde su embalaje.
Porque el cartel del film muestra a los tres protagonistas con esa media sonrisa que nos sugiere la típica película de timadores encantadores e inteligentes que (claro), al final se saldrán con la suya.
Pero los maravillosos títulos de crédito iniciales (que por cierto siempre me han parecido inspirados en pinturas de Hooper), ya nos muestran algo distinto, con esas fachadas inhumanas de edificios en blanco y negro, engarzadas por la rotunda banda sonora de Elmer Bernstein. Y pronto Frears nos muestra a los protagonistas exactamente como nos los quiere mostrar, simplemente como pobres diablos sin dignidad, atrapados en la imagen que tienen de sí mismos, sin orgullo y, lo más triste, sin ser conscientes de ello. La escena en la que un barman descubre el intento de timo de Roy Dillon (John Cusack) me parece definitoria al respecto. Cuando descubre que le ha intentado estafar con el cambio, le agarra por el brazo y con total parsimonia le da un soberano golpe en el estómago con un bate de beisbol. No hay en esta escena ningún rastro de la estética del perdedor...

"Rounders" es una película llena de aciertos, y de hecho semidesconocida en España. Llegué a ella a través del DVD, alquilándola una perezosa tarde de domingo sin referencias previas y sin ninguna aspiración en particular.
Lo primero que me llamó la atención es el reparto que iba desfilando por la pantalla:
Un Matt Damon recién lanzado por entonces (1998) al estrellato absoluto con "GoodWill Hunting", que conservaba su cara aniñada y con temple frente a la cámara (cada vez menos discutido por cierto). Un inmeeeenso Eward Norton, que borda el papel de un chuletilla de barrio con un don para el juego inversamente proporcional a su irresponsabildad e inconsciencia (qué placer verle actuar, con esos andares y esa expresión de listillo-pazguato en la cara..). John Malkovich en la piel de un mafioso ruso tan repugnante como peligroso (y efectivamente logra resultar asqueroso...). Y el gran John Turturro en un papel secundario de ésos para los que parece haber nacido, y que realza cualquier película...

Y... sí, ayer fui a ver "Ratatouille", con tres niños alrededor mío. Y sí, como a media humanidad, también me encantó, y además me admiró que la gente de Pixar siga manteniendo el nivel (superando el pequeño paso en falso que fue "Cars").

1. - Los que triunfan son comerciales. Los que no, artistas (sublimes). El cine es Cultura, y no una inversión o un negocio. Por tanto no es relevante que a una película española no acuda nadie a verla ni que no sea rentable, si trata temas importantes y profundos. Al cine no se va a entretenerse, sino a reflexionar.
2. -El desnudo a destiempo es el McGuffin endémico del cine español. En toda película española se introducirá siempre un desnudo de mujer/escena de sexo, venga a cuento o no, para demostrar que en España somos más progres que nadie y que no tenemos complejos. Cuanto más cutre el encuadre de dicha secuencia, mejor (el sugerir sin mostrar es una mariconada propia de los carcas americanos y prueba inequívoca de que uno es un acomplejado).