Hoy es domingo y esto es "Esplendor en el Asfalto", por lo tanto toca un poco de marketing viral. En esta ocasión, el infectado previo y que nos ha remitido el dato es A. G., ocasional colaborador de este humilde pero intrascendente blog. Un clásico, muchos intérpretes por todo el mundo, y una idea interesante.
"Aceptamos que a nosotros el paso del tiempo nos ha modificado. En materia de sexo, por ejemplo, lo que antes nos parecía moralmente inaceptable, ahora nos resulta tristemente inalcanzable"
Sí, de acuerdo, lo admito,la música disco setentera puede resultar, escuchada hoy, intragable. "Disco sucks" fue el lema que se popularizó en los postreros años setenta. La saturación según cuentan era insoportable por aquella época, encendías la radio y todo sonaba con el mismo chumba-chumba, la imaginación había desaparecido. Luego, en los ochenta, llegaron la new wave, el tecno, el house, etc, y el sonido disco pasó a la historia.
Pero no. No todo fue realmente como se cuenta. No todo fue Saturday Night Fever, o los Village People montando su show. Hubo un grupo seminal, que prácticamente inventó el estándar de la música disco, la llevó a un nivel de calidad inigualable, sembró la semilla del rap y el pop bailable moderno, y nos dejó un ramillete de deslumbrantes canciones que han resistido el paso del tiempo con pasmosa facilidad. Me refiero, por supuesto, a CHIC, el grupo de Bernard Edwards (bajo), Nile Rodgers (guitarra) y Tony Thompson (batería), que masacró los charts musicales con sus creaciones, revestidas de una elegancia sonora, de una pulcritud en la producción y de un virtuosismo en la ejecución difícilmente igualados en las décadas posteriores. Una fórmula sencilla pero difícil de hacer sin el talento necesario para ello: una batería rotunda, un bajo omnipresente y genial y una guitarra eléctrica llenando cada intersticio sonoro de sus creaciones. Añade unos elegantes violines y una voz femenina, y los éxitos se sucederían uno tras otro. Canciones comerciales, incluso (por qué no) intrascendentes, destinadas tan sólo a bailar y divertirse, sin duda.. Pero grandes canciones, magníficamente diseñadas y ejecutadas. Y que asumían su condición de mero divertimento, frente a tanta fingida profundidad del rock actual. Y además seguramente resultaría insoportable para todo mortal en sus cabales estar todo el día escuchando a Marlango, a Amaral o incluso a Beethoven [alerta comentario políticamente incorrecto]. Basta con escucharlos (ojo, son canciones con más de treinta años!) para dejarse llevar.
No entiendo mucho de literatura, pero soy una devoradora de libros. Algunos son como platos que uno no le apetece volver a probar. Otros, en cambio, son como esa comida sencilla y a la vez complicada de realizar, que a uno le encanta degustar una y otra vez.
El ingrediente principal de los libros de Jane Austen consiste en unos personajes de primera calidad. Son sólidos, frescos y quedan bien en cualquier situación; están perfectamente definidos, y pueden resultar heroicos sin necesidad de grandes gestas, o terriblemente ridículos sin necesidad de faltarles el respeto.
Una vez elegidos los ingredientes, Jane Austen, los cocina poco a poco, nos va mostrando como se comportan en situaciones adversas, difíciles o felices, subiendo y bajando el fuego.
Como un buena cocinera, nos guía de la mano por una sociedad que no hemos conocido, y no juzga sus reglas, sólo nos las expone.
No permite jamás que un libro dure más ni menos de lo que debe hacerlo, y lo que mas me gusta, (y como decían las abuelas) todo lo cocina con amor, que es como saben bien los platos sencillos. Con un amor apasionado pero que se vive desde la sensatez, y al mismo tiempo consigue algo que para la época resulta tremendamente adelantado; logra que ese amor no sólo se base en la belleza física o los convencionalismos sociales, también en el respeto, la admiración y la amistad entre las parejas que a lo largo de sus libros se van enamorando.
Así que al igual que con el pan, tomate y jamón, me encanta volver a las páginas de los libros de Jane Austen para degustar un buen libro, al menos una vez cada cierto tiempo.
Hubo un tiempo en que la bossa nova era un género novedoso, y distinto a todo lo que habían oído hasta entonces los públicos del hemisferio norte. Es natural que muchos de los más famosos cantantes quisieran recorrer su estela, ya fuera por puro interés artístico o con la intención de revitalizar sus carreras. Internet nos ofrece la posibilidad de rescatar pequeñas joyas como ésta: una actuación en vivo, en un show de la televisión americana, de un por entonces jovencísimo Antonio Carlos Jobim, cantando su clásico por excelencia, "Garota de Ipanema", junto a uno de los más grandes crooners americanos, prácticamente al nivel de Sinatra aunque menos conocido en Europa. Me refiero al gran Andy Williams y su aterciopelada voz.
Es difícil encontrar hoy cantantes con tal manejo de sus cuerdas vocales en directo, con tal timbre y con ese absoluto dominio del escenario. Tal vez el signo de nuestro tiempo, en que el autotuneenmascara y enmienda, incluso en directo, la voz de cualquier aprendiz de cantante.
Pos-post: Existió, por supuesto, una muy interesante colaboración entre Sinatra y Jobim. Pero ésa es harina de otro futuro post.
En estos momentos de crisis en los que vivimos, donde todo el mundo parece recriminar al de enfrente la situación donde nos hallamos (o lo que es peor, al profundo pozo donde se dirige la economía) echo de menos un poco de responsabilidad personal. Y aunque sé que no es políticamente correcto decirlo, no sólo hablo de la responsabilidad de los dirigentes, éstos deben de tenerla innata al cargo que desarrollan, o al menos deberían; me refiero de la responsabilidad de cada individuo. ¿No proclamamos continuamente nuestra libertad personal?, ¿no nos vanagloriamos siempre de ser los artífices de lo que ocurre en nuestra propia vida?. No entiendo que cuando las cosas van mal recurramos a culpar a todo el mundo excepto a nosotros mismos. Creo que no sólo ocurre con la economía, también con todo lo que nos rodea; a veces hablando con la gente y contando situaciones adversas, percibo que el mundo que nos rodea es el culpable de todos nuestros males, siempre es un jefe, un amigo, las autoridades monetarias, el banco o la sociedad de consumo, que aunque tiene nombre de multinacional, no es mas que la carrera por intentar encontrar la felicidad, pero ésa es otra historia….
La brillante y singular película The Host tiene la particularidad de pertenecer al género de película con monstruo, pero a la vez desarrollar una trama en la que el argumento principal no es el monstruo. Porque The Host toma un argumento clásico, el de los perdedores anónimos (esa gente tan gris que ni siquiera irradia la estética del perdedor), que ante una amenaza inesperada, enorme, inusitada, desarrolla rasgos heroicos hasta alcanzar una transformación interior y cierto grado de autorredención. Y los protagonistas son en efecto una familia triste: una arquera capaz de perder el oro olímpico por no tener la templanza necesaria para efectuar su último tiro. Un titulado universitario en paro, alcoholizado y resentido con la sociedad. Un retrasado, completo desastre como persona, como hijo y como padre irresponsable. Y el padre de los tres, un confundido y pusilánime dueño de un mísero puesto de comidas al lado del río. Bajo esta perspectiva, el monstruo podría perfectamente ser sustituido a los fines del argumento por un serial killer, un banco de inversión de Wall Street o una banda de mafiosos, por ejemplo. Pero lo que hace grande y enormemente novedosa a esta cinta es, precisamente, el diseño del monstruo y de su actuación. Un ser realista hasta el verismo como pocas veces se ha creado en el cine, sin la grandiosidad de un Godzilla o la atractiva perversión del refinado Alien. Un bicho gris, pegajoso y repelente, sí, pero mucho más cercano por ello a nuestra monótona realidad que todos sus antecesores. Y contradiciendo la tradición del género, son las "escenas con monstruo" las que alcanzan mayor nivel dramático y marcan la travesía interna de los protagonistas, con momentos de rara y terrible poesía. La película tiene además una trama paralela (la actuación inepta y manipuladora de los poderes públicos ante la irrupción de la amenaza), que sin embargo no acierta a llegar a ninguna parte, siendo en algún momento un lastre para el argumento. La escena inicial en la que irrumpe el engendro es soberana y maravillosa. No obstante, prefiero no reventarla mostrándola separada del cuerpo de la cinta, por lo que he decidido colgar otra igualmente dramática. Una película a ver, a disfrutar y tal vez reflexionar.
Algunas versiones (muy pocas), tienen la extraña virtud de, además de mejorar el original, transformarlo hasta tal punto que la copia se hace irreconocible respecto a la composición original, tomando finalmente una personalidad propia y definida.
Todavía encuentro gente que se queda prendada en cuanto escucha esta resplandeciente canción de los años setenta, que es una de las cimas del primer sonido Philadelphia: Me refiero por supuesto a “Your Song”, del singular Billy Paul.
La melodía derivativa y envolvente, su instrumentación clásica (con esas maravillosas flautas, y el colchón de violines marca de la casa), la personalísima voz de su intérprete y los frenazos y rearrancadas del tema, la convierten en una pequeña gran joya de la música negra que 36 años después conserva intacta su magia (además de ser un ejemplo de producción y arreglos musicales inconmensurables). Lo que pocos advierten (aun luego de haber escuchado el original), es que es una versión. Y más concretamente, una versión de un clásico del pop melodioso (baboso dirán algunos), firmado por el mismísimo Elton John. En efecto, la balada del señor Reginald Kenneth Dwight es uno de los mejores ejemplos de su estilo de desgranar melodías al piano, y aunque personalmente me resulta ya un poco estomagante, no se le puede negar su valor.
Por tanto uno de esos ejemplos en los que la copia toma un esqueleto ya existente (la melodía), para retorcerlo, descoyuntarlo, recomponerlo y recubrirlo luego de nuevos e inusuales ropajes.
Como siempre, el gran Quino dando en la diana hace ya algunos años. En esta ocasión estoy repicando el post de un interesante blog, que me recordó la existencia de esta realista tira.
1957: Fellini rueda Las Noches de Cabiria, la historia de una prostituta repetidamente engañada por la vida y los hombres, que sin embargo no pierde su ingenuidad y esperanzas. 1966: Se estrena en Broadway el musical “Sweet Charity”, dirigido y coreografiado por Bob Fosse, inspirado en la película de Fellini. Obtiene un premio Tony a la mejor coreografía, alcanzando las 608 representaciones. 1969: Se estrena la versión cinematográfica, dirigida también por Bob Fosse (que poco después triunfaría con “Cabaret” y sorprendería con la interesantísima “All That Jazz”), y protagonizada por Shirley MacLaine. La película cuesta 20 millones de $, recauda sólo 4, y casi hace quebrar a la Universal. Su número más conocido es “Hey Big Spender”. Hay mucha gente a la que no le gusta el musical. Me parece bien. Pero cuando veo escenas como ésta, sólo puedo decir:
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